弦楽器 すこやかを、進めよう。

公式ハッシュタグランキング： 位 ベートーベンを知る！ベートーベンことルートヴィヒ・ヴァン・ベートーベン（Ludwig van Beethoven）は、1770年12月16日前後にこの世に生を受けました。音楽家の家系に生まれたベートーベンは、「歓喜の歌」「英雄」「月光」「悲愴」などの数々の名曲を残しています。ベートーベンは、鍵盤楽器の主流がチェンバロからピアノに移行する時期に活躍した音楽家の一人であるといえます。ベートーベンの一世代前の音楽家であるバッハは、ピアノをあまり高く評価していなかったことがわかっています。初期のピアノは高音域が弱く、音量も安定していなかったため、大きくない部屋の中で演奏される楽器として認知されていました。このように、コンサートホールではなく邸内で演奏されることを前提とした音楽を「ソナタ」といいます。ベートーベンの生涯とは？ベートーベンの生涯は、必ずしも恵まれているとは言えないものでした。幼少時代の苦難や、同年代のライバル・モーツァルトへの嫉妬、音楽家の生命線である耳の障害、悲恋と様々な困難に悩んだ一生であったと言われています。このサイトではベートーベンが歩んだ生涯についても解説していきます。ベートーベンの抱いた苦悩とは？ベートーベンの生涯は、苦悩と隣り合わせのものであったと言えます。難聴によって音楽家生命が危機にさらされたこと、後継者として溺愛していた甥カールとの確執など、常ならぬ苦悩を抱いていたのです。ベートーベンの抱いた苦悩とは、いったいどのようなものでどれほどのものであったのかについて解説していきます！ベートーベンが愛したものとは？ベートーベンは生涯独身でしたが、恋をしなかったわけではありません。その胸の奥には「不滅の恋人」と呼んだ女性の存在があったのです。また、コーヒーへのこだわりを持っていたこと、メトロノームを愛用していたことなど、ベートーベンの想いは様々な形で現れていたことを示すエピソードがいくつもあるのです。そんなエピソードの数々を紹介していきます。ベートーベンのトリビアベートーベンの生きた時代には、まだ写真技術が存在していませんでした。そのため、当時の音楽家たちの姿は肖像画でしか知ることが出来ません。しかし、技術の進歩によって遺骨などからどのような容貌をしていたのかなどを知ることが出来るようになってきているのです。このコーナーでは、ベートーベンの本当の姿やベートーベンにまつわる噂などの豆知識を紹介してきます。ベートーベンの時代ベートーベンが活躍した時代では、日本や世界の歴史でどのような動きがあったのでしょうか？ 豆知識としてベートーベンの生きた時代を紹介していきます。ベートーベンの作風ベートーベンは、いわゆる「古典派」から「ロマン派」への移行期に活躍した、二つの時代の架け橋を務めた作曲家です。そのため、ハイドンやモーツァルトなどの古典派の代表格から影響を受けた部分と、ロマン派の礎となる部分をその作風に内包しているのです。古典派とは？古典派はバッハが活躍したバロック音楽の次に現れた、1730年代から1810年代までの音楽文化の総称です。その名の通り古典派は温故知新をテーマとして掲げ、バロック時代にマンモス的に肥大した音楽構造をギリシャ・ローマ文明の頃の昔のように単純化しようという動きだったのです。古典派は、出始めたばかりのピアノの独奏曲など、シンプルな構成の楽曲を次々と生み出していきました。西洋においては、「古典」は必ずしも古めかしいものを指す言葉ではなく「考えうる最高に向かって取り組む姿勢」を意味しています。バロック音楽で行き詰ったかに見えた西洋音楽は古典派の登場によって、新しい息吹を吹き込まれたのです。ロマン派とは？音楽分野におけるロマン派は、1800年代初頭に現れた新しい音楽文化です。古典派とロマン派の活動した時代は重なっており、相互に影響を及ぼしていたことは想像に難くありません。ロマン派音楽は、同時期にドイツ文学で発生した「シュトゥルム・ウント・ドラング（疾風）」運動の影響を受けており、「理想と現実」「標題音楽と絶対音楽」といった対立関係をテーマとした作風を持っています。ロマン派が活躍した時代は音楽的な技法においても発展を見せた時代であります。また、ロマン派音楽では「楽曲に表題は必要か」という議論が行われていています。自分の楽曲に表題をあまりつけなかったベートーベンの活躍した時代ならではの議論といえます。ベートーベンに影響を与えた音楽家ベートーベンは、1787年に尊敬するモーツァルトと出会うまで誰かに指示しなかったわけではありません。1782年に、ベートーベンは宮廷オルガニストを勤めていたクリスティアン・ゴットロープ・ネーフェに師事しています。当時12歳のベートーベンは、父ヨハンからのスパルタ教育によって天才ピアニストとして売り込みされていました。父親の情熱が才能の育成のためではなく、自分の飲み代を稼がせるためであることにうすうす気づいていたベートーベンは、音楽が嫌いになりかけていたのです。そんなベートーベンを救ったのがネーフェなのです。ネーフェは、ピアニストとしてだけの教育を受けていたベートーベンに作曲方法を指南し、自分が持っていたバロック時代の楽譜を貸し与えて音楽を楽しむことをベートーベンに教えたのです。もしも、ベートーベンがネーフェに出会っていなければ、「二十歳過ぎればただの人」な元・神童として一生を終えていたかもしれません。現にベートーベンは、ネーフェに「もし僕が将来偉くなることがあれば、それは全てネーフェ先生のおかげです」と伝えているのです。一期一会には、必ず意味があるのです。モーツァルトとの出会いそもそも、父ヨハンがベートーベンを天才少年ピアニストとして売り出そうと考えたのはモーツァルトがいたからです。モーツァルトは、宮廷バイオリニストであったレオポルドによってその才能を見出され、各地の宮廷で演奏を披露しています。この時、モーツァルトは3時間弱の演奏でレオポルドの収入8年分を稼いだといわれています。名ばかりの宮廷歌手であったヨハンにしてみれば、これほど美味しい話はないでしょう。自分は働かなくても子供が稼いでくれればそれに越したことはないのです。そういう意味では、ベートーベンにとってモーツァルトは「尊敬すべき先達」であると同時に「余計な前例作りやがって」という嫌悪の対象であったのです。そんな複雑な感情を抱いているモーツァルトと出会ったことは、ベートーベンの転機となります。モーツァルトへの弟子入りは母の急病で叶わなかったものの、ベートーベンは音楽家として独り立ちする自信を獲得したのです。ハイドンへの師事ベートーベンがハイドンに師事したことで得られたのは、少なかったといわれています。この時期のハイドンは名声をさらに高めるための活動を熱烈に行っていた時期だからです。ハイドンがベートーベンに提出した課題も、245曲中42曲しか添削されていなかったという逸話が残されているほどです。そのため、ハイドンに師事していた時期のベートーベンは、並行してヨハン・シェンクやアントニオ・サリエリにも師事しています。サリエリは後に、ベートーベン幻の交響曲となる「ウェリントンの勝利」の初演にも参加して打楽器の指揮を担当しています。映画「アマデウス」では、嫉妬深い人物として描かれていた去サリエリですが、面倒見のいい音楽家だったのです。この時期に学んだ作曲技法などは、「ハイリゲンシュタットの遺書事件」後の「傑作の森」時代で大いに発揮されることになります。ベートーベンの個性の発露を追うこれらの出会いによってベートーベンは、技術を磨き自分なりの音楽の作風を見出していくことになります。ベートーベン初期の作風ベートーベンの初期の作品からは、モーツァルトやハイドンの影響を受けた非常に明るい作風であったことが伺えます。「教わったことなど何もなかった」とハイドンを評したベートーベンでしたが、師匠に対する敬意が多少なりと込められているのです。ベートーベンがデビューした1794年当時は、ピアノは主役を務める楽器ではないと考えられていましたが、ベートーベンはピアノ三重奏曲でデビューするというまさしく破天荒な個性を見せ付けたのです。しかし、逆に言えば初期の作品は「モーツァルトやハイドンの影響から抜け出せきれず、奇策としてピアノを主役に据えた」作風ともいえます。この初期の作風は、「ハイリゲンシュタットの遺書」を書くまで続くことになります。ベートーベン全盛期の作風難聴の自覚と進行によって、ベートーベンが自分の命を絶つことまで考えた1802年以降、ベートーベンの作風は脱皮を果たしていくことになります。初期の作風はモーツァルトやハイドンの影響を受けていましたが、それをスパッと切り捨てて実験的な構成を取り入れたり、一般的ではない技法を取り入れたりといった変化が見られてきたのです。「学ぶ」という言葉は元々「まねぶ」であり、人の真似から自分自身のオリジナルにしていくことであるといわれています。この時期のベートーベンは、人真似から自分だけの個性を築きあげていったのです。ベートーベン晩年の作風論語では、40歳を越えると「不惑」といって迷いがなくなってくるとされています。しかし、ベートーベンの不惑以降は迷いと焦りに彩られた時期であったといえます。甥カールの養育権をめぐる争いや、スランプによる停滞などで作曲できなかった時期が存在しています。しかし、晩年のベートーベンの作品には堂々とした風格があり名作として現代に語り継がれるものばかりになっています。晩年の代表作には「ミサ・ソレムニス」「交響曲第七番」「交響曲第九番」などがあります。この時期のベートーベンは、完全に自分だけの作風を確立していて、より楽曲の完成度を高めることに執心していたようです。「傑作の森」時代を過ぎたベートーベンは、より高みを目指し続けるようになったのです。ベートーベンの作風人の行うこと全てには、千差万別の個性が現れます。美術や音楽などの創造的な分野において、そのような個性を「作風」と呼びます。作風には、その人が影響を受けた音楽家や芸術家の影や、その人の持つ感情や考え方が如実に現れます交響曲第三番「エロイカ」ベートーベンは一種の現実主義者で、権威や神様という概念をおよそ崇め奉ることのなかった人物であったと伝えられています。そんなベートーベンにとって、当時フランスで起こっていたフランス革命は権威の打倒であり、自分の信念の具現でもあったのは確かなことです。そんな時代に作曲されたのが、交響曲第三番「エロイカ」なのです交響曲第三番「エロイカ」題名になっている「エロイカ（eroica）」とは、「英雄」という意味の「eroico」の女性名詞形です。音楽は女性名詞として扱われるので、一語で「英雄の音楽」という意味があるのです。交響曲第三番は、フランス革命における最後の勝利者となったナポレオン･ボナパルトが戴冠した1804年に完成を見たベートーベン最盛期の傑作のひとつです。交響曲第三番「エロイカ」の曲調交響曲第三番「エロイカ」は、「英雄の凱旋」を想起させる雄大でゆったりとした曲調を持っています。英雄の凱旋は、民衆に英雄の健在を示すために出来るだけゆっくりと行われるものだからです。全体的に進軍ラッパのような勇ましい雰囲気ではなく、王宮に向かう道のりを進みながら民衆に祝福される光景がまざまざと思い起こされるメロディラインを持っています。民衆の興奮と英雄の穏やかさが対比されているようなテンポは、聴く者の心に「英雄とはいかなるものか」というベートーベンの考えを深く染み渡らせるのです。製作の背景この交響曲第三番は、フランス革命に共感を持っていたベートーベンが最後の勝利者となったナポレオンに捧げるために制作したといわれています。しかし、近年の研究ではベートーベンの庇護者であり音楽家でもあった、ルイ･フェルディナンド公に捧げるために制作されたのではないかといわれています。フランス革命とはフランス革命は、国王を頂点とする封建国家制「アンシャン・レジーム」への不満から市民層が蜂起して起こった史上最大の革命です。当時のフランス国王ルイ16世とその妃であるマリー・アントワネットの豪奢な生活は、パン一切れさえ口に出来ないほどに困窮していた国民の感情を逆撫でしたことが原因といわれています。しかし、実際のところは国王に取り入ろうとする貴族階級がフランスの財政を破綻させ、国民を飢えさせていたようです。財政の回復になんら有効的な方策を示せない国王と、既得権益を守り政治を操って富をかき集める貴族に対する怒りが、革命の引き金を引いたといえます。王国制の打倒に始まる混迷1789年、政治犯を収監していたバスティーユ監獄が襲撃されたことがきっかけとなり、フランス革命が起こります。革命初期は封建国家制から立憲君主制を目指していたのですが1791年に国王一家がフランスからの逃走を図った「ヴァレンヌ事件」が発生します。これによって革命は「国王との共存」から「民衆による政治体制の確立」へと方向を変えることになります。この革命の方向転換は、国王派の貴族よりもフランス周辺の国に衝撃を与えることになります。フランス革命が飛び火して、自分たちの立場が失われてしまうことを恐れたのです。そのため、プロイセンやローマなどは革命への介入を宣言しフランス革命はよりいっそう混迷の度合いを深めていくことになります。ロベスピエールの台頭そんな中で、革命派の主権を握ったのがマクシミリアン・ロベスピエールです。ロベスピエールは、ルイ16世と妃マリー・アントワネットをギロチンに掛けてフランスの封建国家制を崩壊させたのです。その後、ロベスピエールは革命政府内の抵抗勢力を次々とギロチンに送り込む「恐怖政治」を行い、その権力をゆるぎないものにしていきます。しかし、恐怖政治は最終的にロベスピエールの首を絞めることになります。いつギロチンの下に送られるかわからない議員たちによって、ロベスピエール一派は反逆者としてギロチンに掛けられることになったのです。ナポレオンが得た漁夫の利革命以後の権力者となっていたロベスピエールの退場によって、フランスは新しい混迷に導かれます。しっかりと舵取りが出来るリーダーがいなければ、革命に介入した他国に領土を奪われることになり、フランス自体が消滅する可能性が高かったのです。そこに登場したのがナポレオンです。ナポレオンはシェイエスらと共にブリューメルのクーデターを起こし、ロベスピエール以後の総裁政府を打倒し、権力を手中に収めたのです。ナポレオンはこの当時は一介の軍人で、エジプト遠征から命からがら帰ってきた状態でした。もし、このクーデターが失敗していたら敵前逃亡で裁判を受ける羽目になっていたといわれています。ナポレオンは、クーデターを主導したシェイエスらを抑えて政権を握ったのです。ベートーベンが感じていたナポレオンへの共感ベートーベンは、およそ権力への追従心を持っていなかったのは確かです。貴族を後援者にしていたのは実入りがいいからであって、宮廷や貴族のために音楽を作って喜ばせようという考えはありませんでした。そんなベートーベンはフランス革命の英雄となったナポレオンに共感を抱いていた節があります。ナポレオンの出自に共感を抱いた？ナポレオンは、コルシカ島の出身であることが知られています。コルシカ島は、古くからフランスとイタリアの間で奪い合われた領土で、フランス人からは見下されていました。かのマフィアは、フランスの兵士によって名誉を傷つけられたコルシカ人が興したという伝説があるほど、フランスとコルシカの間には深い遺恨があったのです。ナポレオンは、主人として君臨していたフランスの頂点に上り詰めることで、リベンジを果たした存在であるといえます。このナポレオンの出自は、ベートーベンにとって「自分の信念の具現」であると感じていたのではないでしょうか。共感から怒りへしかし、ベートーベンはナポレオンに対して強い怒りを伴う失望を抱くことになります。それが1804年のナポレオン戴冠です。ベートーベンは、ナポレオンを「権力に阿らない、自分の理想の英雄」と感じていたのですが、そのナポレオンが権力の座についてしまったのでは本末転倒であるといえます。ベートーベンは「あの男も所詮俗物だったのだ！」と叫び、交響曲第三番の表紙を破り題名を書き換えたという逸話はこの時に生まれたのです。しかし、この逸話は秘書のシンドラーが後に伝記で発表したものなので、現在では信憑性が疑われています。交響曲第五番「運命」ベートーベンの交響曲の中でも、高い知名度を誇っているのが「第九」と「運命」であるといえます。第七番は、近年になって知名度が増してきた部類の楽曲ですが、「運命」と「第九」は長年にわたって様々な場所で演奏されてきた、ベートーベンの代表曲であるといえます。交響曲第五番「運命」交響曲第五番は、俗に「運命交響曲」とも呼ばれています。そもそも「運命」という題名はベートーベンがつけたわけではなく、弟子兼秘書のシンドラーからの「先生、この出だしのダダダダーンっていう音は何を表しているのですか？」という質問に対し、ベートーベンが「それは運命がドアを叩く音だ」と答えたことから「運命」という標題で呼ばれるようになったと言われています。交響曲第五番制作の背景交響曲第五番は、1804年に交響曲第三番「エロイカ」が完成した直後から制作に入っています。しかし、主題である「運命がドアを叩く音」の部分に関しては1798年に既に着想を得ており、交響曲第五番以前にも何度か使用していることがわかっています。1798年という時期は、ベートーベンが難聴を自覚し始めた時期であり、「運命」にベートーベンがとらわれ始めた時期であるともいえます。「運命がドアを叩く音」は、ベートーベンにとっては「音楽家生命の終わりが近づく音」であったのです。この不吉な予感を振り払うべく、ベートーベンは、「運命がドアを叩く音」を自身の楽曲に組み込んで運命に抗う意思を示していたのではないでしょうか。ベートーベンの交響曲に見られる思想ベートーベンは「第九」制作までは、交響曲を二曲一セットという形で作曲・発表するスタイルをとっていました。つまり、交響曲第五番「運命」は、同時に制作されていた交響曲第六番とセットになるのが正しい形であるといえます。この交響曲第六番は、「田園」というベートーベン自身がつけた標題を持つ数少ない楽曲として知られています。「田園」はその名の通り、郷愁を思い起こさせる曲調を持つ楽曲です。ベートーベンは一曲だけでは表現しきれないテーマを完全に表現するために二曲一セットでの交響曲制作を行っていたのです。交響曲第五番の秘密ベートーベンが「運命はこのようにドアを叩く」といった、冒頭の「ダダダダーン」の四音は後の歴史で大きな意味を持つことになります。1840年代にモールス信号が発明され、世界的に普及していきますが、「ダダダダーン」の四音をモールス信号に置き換えれば「・・・－」で「V」の字を表すのです。「V」はローマ数字では「5」を表すので、交響曲第五番にぴったりであり、勝利（Victory）のVに通じるとされ第二次世界大戦下では、まったく別の意味合いを持っていたのです。しかし、「運命」は本来『交響曲第五番』ではなく『交響曲第六番』であったが、モールス信号との符号から第五番になったという説も存在しています。交響曲第五番「運命」の曲調有名な「運命がドアを叩く音」で始まる第一楽章は、強弱と緩急がはっきりと出たメロディを持っています。この楽曲は運命そのものを表しているのではなく、「運命の荒波に翻弄される人間」を表現しているというのが現在の定説です。静と動が対比されたメロディは、心の移り変わりそのものをも表現しているのです。「運命」の聴きどころはどこか一般的に『交響曲第五番「運命」』といえば、第一楽章がその本質であるように考えられています。しかし、実際の交響曲第五番は40分前後の長さを持つ一大交響曲です。10分に満たない長さの第一楽章が交響曲第五番の全てであるように考えるのはそもそも誤りであるといえます。第一楽章が「抗うことの出来ない運命の到来」を表していると考えるなら、「その運命にどう相対していくのか」が描写される第二楽章以降に注目しなければならないのです。交響曲第五番「運命」の第二楽章・第三楽章第二楽章では、「Andante con moto」（気楽に、ゆっくりと）と演奏記号で指示されているように、第一楽章のメリハリの利いた展開から一転した緩やかな流れへと変化します。それは、運命の困難に直面した人が思考の糸を紡ぎ上げるように冷静に、かつ確実に一歩ずつ積み重ねていくような次なる発展への準備を思わせます。第三楽章ではチェロ･ホルン･コントラバスの三楽器が、「運命がドアを叩く音」を組み込みながら一つのメロディを折り重ねていきます。「運命」とは、常に悲運や別ればかりではなく出会いや幸運もあることを示すかのように最終楽章となる第四楽章に向かっていきます。交響曲第五番「運命」の第四楽章第四楽章では、この当時の交響曲としては珍しいピッコロなどの管楽器が加わって、メロディをよりいっそう盛り上げていきます。この第四楽章は「運命」の困難を乗り越えた先の喜びを表現した、まさしくクライマックスとなるのです。有名な第一楽章が「運命の来訪への怯え」ならば、第四楽章は「運命に打ち勝った人を讃えよ」という意味であるのです。すなわち、交響曲第五番は、第四楽章がもたらすカタルシスを味わって初めて成り立つのです。交響曲第七番1812年頃に制作された交響曲第七番は、ベートーベンの交響曲の中では第一番・第二番・第八番に並ぶマイナーな存在であったといえます。ただ、バレエ音楽を思わせる明るい雰囲気を持っているためそれなりに人気がある楽曲ではあったようです。交響曲第七番再評価のきっかけとはそんな、ちょっとマイナーな交響曲第七番がベートーベンの代表曲として再認識されるようになったのが、前述の「のだめカンタービレ」の影響なのです。いわゆる「月九枠」こと月曜日夜九時に放映されたテレビドラマ版「のだめ」は、上野樹里・玉木宏主演で製作され大変な人気を呼びました。交響曲第七番はドラマ版「のだめ」の主題曲として使用され、クラシック音楽を学校の授業でしか聴いていなかった若者層にも強く浸透するきっかけを作ったのです。「のだめカンタービレ」とは？「のだめカンタービレ」は、音楽家を志望する若者たちの群像劇を描いた二ノ宮知子原作の漫画です。「カンタービレ」は音楽記号で「歌うように」という意味があります。ストーリーは、国際的な指揮者を父に持ちながら幼少期のトラウマで飛行機にも船にも乗れず、海外留学を夢見ながらも国内で燻っていた指揮者志望の音大生・千秋真一が、偶然からマンションの隣室に住む「のだめ」こと野田恵に出会い、仲間たちとオーケストラを結成し指揮者としてのキャリアを積み重ねていくという物語です。原作コミックは17巻まで発売されており、人気コミックのランキング上位を走っています。ドラマは、2006年10月から全11話が放映されており、2007年の時点ではアニメ版が放映されています。「のだめ」と交響曲第七番の関係「のだめカンタービレ」と交響曲第七番が関連付けられるようになったのは、原作コミックで千秋とのだめのターニングポイントになる楽曲として扱われたことがそもそもの始まりです。ドラマ化の際にも、原作者からの要望として「主題曲は第七番」という条件を出されていたとも言われています。交響曲第七番はドラマでの主題曲としてだけでなく、アニメ版主題歌の「こんなに近くで…」（歌：Crystal Key）にもメロディラインが転用されており、「のだめ」と交響曲第七番を切っても切り離せない関係にしているのです。交響曲第七番とはどんな曲か交響曲第七番は、今までのベートーベンにはなかった曲調を備えた楽曲であるといえます。「木漏れ日に揺らめく水面が美しい湖で、ボートを漕いで休日を楽しむ」情景が浮かんでくる、そんなワクワクとゆったり感が同居したような楽曲なのです。ただ、交響曲第七番が初演された1813年2月の演奏会での評判は賛否両論が入り混じるものだったといわれています。オペラの大家リヒャルト・ワーグナーは「舞踏の聖化」と絶賛し、「魔弾の射手」のカール・マリア・フォン・ウェーバーは「ベートーベンはもはや精神病院行きだ」と貶しています。交響曲第七番の全体的な作風交響曲第七番は、下手をすれば凡庸とも言えるようなゆっくりとしたメロディで展開していきます。第一楽章の中盤ごろから「シチリアーノ」と呼ばれる舞曲の形式を取り込んだテンポのいいパートに入り、本領を発揮していきます。ワーグナーが「舞踏の聖化」と呼んだのは、このシチリアーノから始まる「楽曲全体の舞踏」と呼ぶべき流れの完成度なのです。頭から尻尾までぎっしりと舞曲の楽しさが詰め込まれた、最初から最後までがクライマックスである楽曲なのです。交響曲第七番の真価この交響曲第七番は、いわば「役者を必要としないバレエ」であり「筋書きのないオペラ」なのです。そのため、批評が真二つに分かれてしまったのです。交響曲第七番は、演奏者にとっても評判の分かれる楽曲であるといえます。「名演奏の続出する楽曲」であると評され、また「この楽曲を指揮すると、どんな楽曲よりも精神的に消耗する」とも評されています。そんな交響曲第七番だからこそ、現代においても通用しているのでしょう。交響曲第九番2006年、二つの映画が公開されました。一つはベートーベンと女性写譜師の交流を描く「敬愛なるベートーベン」、もう一つは史実に基づき第一次世界大戦で旧日本軍の捕虜となったドイツ軍兵士の交流を描いた「バルトの楽園」です。この二つの映画は、あるベートーベンの楽曲をストーリーの主軸においています。その楽曲こそが交響曲第九番なのです。交響曲第九番交響曲第九番は、ベートーベン晩年の1824年に完成したベートーベン最後の交響曲です。交響曲第九番の最大の特徴は、合唱を取り入れていることです。そもそも声楽と交響曲は交わらないものと長年考えられてきましたが、ベートーベンによって一般的な形に仕上げたのです。交響曲第九番は日本では「第九」と呼ばれ、年末の風物詩としても親しまれています。第九最大の特徴「歓喜の歌」「第九」といえば最初に思い浮かぶのが、「歓喜の歌」ではないでしょうか。「歓喜の歌」の歌詞は、全てがベートーベンの作詞ではありません。元々はドイツを代表する作家の一人であるフリードリヒ・フォン・シラーによって書かれた「歓喜に寄す」という詩を元にして、ベートーベンが編集したものを使用しています。ベートーベンは冒頭の「おお友よ、このような音ではなく心地よい歓喜に満ちた歌を歌おう」の部分を書き足しただけなのです。「歓喜の歌」＝第九？毎年のように各地で第九が日本語訳詞か原語のドイツ語詞で歌われているため、第九とは「歓喜の歌」そのものを指すと誤解している人も多いのではないでしょうか。実際のところ、「歓喜の歌」のパートは最後の第四楽章のクライマックス部分です。第九を第一楽章から通しで演奏していくと、全体で大体75分前後かかることはCDの長さを決める話などで有名な事実です。つまり、75分の3分の2を過ぎた頃に合唱パートの出番が回ってくるのです。ただ、日本の場合は第九の演奏会自体がイベントとなっているので第一楽章から通しで演奏される機会はほとんど無いといっても過言ではなく、「歓喜の歌」のパートだけを編集したものを「第九」として演奏することが多いだけなのです。「歓喜の歌」は無くなるかもしれなかったベートーベンの伝記では、第九の初演は大成功を収め難聴の進行で耳がほとんど聞こえなくなっていたベートーベンは助手に促されるまで聴衆が大声援を送っていることに気がつかなかったという記述がなされています。しかし、実際には第九は初演こそ成功であったものの合唱を取り入れた第四楽章が理解されず、第一楽章から第三楽章までが演奏されていたのです。「歓喜の歌」を含む第四楽章の不遇は、ベートーベン自身も気にかけていたようで器楽曲としての再構成を図っていた形跡が散見されています。最終的に第四楽章と「歓喜の歌」は、ワーグナーによる新解釈が加えられたことによって再評価の機運が高まり、現代に残されているのです。日本と第九の関係日本において、第九が初演奏されたのは第一世界大戦真っ只中の1918年のことです。当時の日本軍は、ドイツがアジア方面の橋頭堡として押さえていた青島を攻略し5000人近くのドイツ人兵士を捕虜としたのです。そのうちの1000名が現在の徳島県鳴門市に作られた「坂東俘虜収容所」に送られ、終戦までをすごしました。この収容所の所長を務めた松江豊寿（まつえ・とよひさ）は人道に則った扱いを行い、現地の住民とドイツ人の間の交流を促進させたのです。後にスイスに移されたドイツ人捕虜たちは「松江ほど素晴らしい捕虜収容所の所長はいない」と評しています。この時、ドイツ人捕虜によって結成されたオーケストラによって1918年6月1日に、日本で初めての第九演奏が行われたのです。このエピソードが、前述の映画「バルトの楽園」の元になっているのです。第九とドイツ第九は、戦後の世界においては「自由と平和の象徴」として世界各地で演奏されてきました。第二次世界大戦後再開された、ワーグナーが興したバイロイト音楽祭で最初に演奏されたのは第九であるのは有名な話です。この瞬間からドイツの戦後復興において、第九は欠かせない楽曲として演奏されていきます。1989年のベルリンの壁崩壊に際しては、ドイツ語で歓喜を意味する「Freude」を、自由を意味する「Freiheit」に変えて歌われるなど、ドイツの歴史の節目で歌われています。現在、EU（欧州連合）の歌として「歓喜の歌」を採用する動きがあります。交響曲第九番全体の曲調交響曲第九番は、どうしても「歓喜の歌」だけがクローズアップされることが多いのですが、第一楽章から通して繰り返し聴くと新しい驚きを発見できる、素晴らしい楽曲であるといえます。第一楽章の冒頭ではテレビCMなどでも使用されるフレーズが提示され、トレモロなどの反復演奏によって内容がどんどんと膨らんでいきます。第九は、第一楽章からクライマックスとなる「歓喜の歌」への伏線が張り巡らされていくという、計算された構成になっています。弦楽器の軽やかで心地よい音の重ね方や、管楽器によるメロディの盛り上げ方など、まさにベートーベンの作風の集大成であるといえます。「歓喜の歌」自体は単品でも十分に素晴らしい楽曲であるといえますが、時間を掛けて第一楽章から通しで聴くことでその魅力は何倍にも高まるのです。交響曲第九番の意図とは日本では、憲法第九条と第九を関連付けたコンサートを開く団体などがありますが、ベートーベンはそんな矮小な目的のために第九を作曲したわけではありません。ベートーベンが第九に込めたのは、シラーの「歓喜に喜す」に込められた「友人や愛する人のいる人生の素晴らしさ」なのです。ベートーベンは癇癪もちではありましたが、交流を深めた友人も不滅の恋人もいましたし、音楽と難聴を通して生きていることの素晴らしさを知っているのです。だからこそ、200年近くも人々に受け継がれる不滅の音楽となった第九を作曲できたのではないでしょうか。  

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公式ハッシュタグランキング： 位 AEAJアロマインストラクター、ハンドメイドセラピスト Ka-no-n(カノン)です。
本日もお越し下さりありがとうございます
9/24(日) 地元の市民音楽祭 があります。

私にとってはヴィオラでは初舞台です。
吹奏楽時代から数年ぶりの舞台でもあります。
憧れの弦楽器でアンサンブルでとっても嬉しいです
私の技術まだまだですがあと1週間がんばります。
でも楽しむ気持ちを1番に


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